Francesc Català-Roca

Se formó con su padre, Pere Català Pic, uno de los principales representantes de la vanguardia fotográfica catalana. Aún niño, su familia se trasladó a vivir a Barcelona, de modo que ahí se inició como profesional de la fotografía, primero con su padre y después, en 1948, como profesional independiente. Trabajó de reportero fotográfico de actualidad en revistas como Destino y Revista. Interesado también en el cine, en 1952 hizo el documental sobre la Sagrada Familia Piedras Vivas (desaparecido), que fue galardonado ese mismo año con el primer premio del Festival de Ancona (Italia). Su participación en publicaciones de temática documental también comenzó con esta obra de Gaudí. Es el caso de La Sagrada Família (Barcelona, 1952), con texto de Cèsar Martinell. Posteriormente publicó Gaudí dissenyador (Blume, Barcelona, 1978) y Gaudí (Polígrafa, Barcelona, 1983), con texto de Ignasi de Solà-Morales.
Francesc Català-Roca recibió diversos premios y distinciones a lo largo de su carrera profesional. En 1988, su ciudad natal celebró la exposición Gaudí (Institut d’Estudis Vallencs, Valls), donde sus imágenes reflejaron un personal modo de ver la obra del arquitecto.

 

Fernando Moleres

Fernando Moleres es un fotógrafo vasco, nacido en 1963 en Bilbao, que vive en Barcelona y realiza fotografía documental socialmente comprometida.
Enfermero de formación, en 1991 publico sus primeras fotografías en un medio de comunicación. Viajó en 1987 por trabajo a Nicaragua, durante el período sandinista, y allí comenzó a apreciar el valor de la fotografía y aprendió por sí mismo cómo hacerla. Hasta 1994 combino sus reportajes gráficos con la enfermería para dedicarse posteriormente de lleno a la fotografía documental. Cambio su residencia de Orduña por la de Barcelona y desde entonces sus viajes y premios profesionales se han sucedido. Desde hace más de 20 años ha fotografiado temas de actualidad relacionados con los derechos humanos. Algunas de estas historias, como la explotación del trabajo infantil o de menores de edad en la cárcel, muestran la incuestionable evidencia de situaciones que deben ser eliminadas o, al menos, perseguidas. La fotografía documental es, para él, una actitud que le afirma en la vida, una herramienta que le permite abordar las situaciones que le cautivan, le preocupan y que le dan ganas de participar. Por otra parte, como fotógrafo, trabaja y profundiza en temas que trascienden el tiempo presente, y que le intrigan por su experiencia y que le permiten exponerse a otros tipos de vida. Ser un fotógrafo freelance le permite trabajar en proyectos personales durante un largo período de tiempo.

José Ortiz Echague

José Ortiz Echagüe (2 de agosto de 1886 – 7 de septiembre de 1980) fue un ingeniero militar, piloto y fotógrafo español. Ortiz Echague nunca fue un profesional de la fotografia, fundador y propietario de la empresa aeronautica CASA y de los automoves SEAT, se dedico desde 1898 a tomar fotos de España y el norte de Africa. Sus temas fueron la arquitectura, la gente y los vestidos y costumbres tradicionales. Se lo consideraba, en los años 30 como uno de los tres mejores fotografos del mundo. Mediante intervencion en el copiado, lograba un efecto que hacia que sus fotos se parecieran a pinturas. En 75 años, fotografiando en sus ratos libres, los fines de semana y en sus viajes genero unas 30000 placas y negativos, la mayoria de los cuales estan, junto con unas 1000 impresiones realizadas por el mismo, en el Legado Ortiz Echague, en la Universidad de Navarra.

Lydia Fernández

Cuando hago fotos a otra persona no tengo una idea concreta en mi cabeza de lo que busco, pero días antes de la sesión, hablo mucho con ella, le pregunto por qué quiere hacerse fotos, por qué me ha elegido a mí para ello, qué quiere contar… y ahí ya me hago una idea al menos de por dónde empezar. No hay nada decidido hasta el día de la sesión, pero después de un café y algo de charla, intento captar la energía que trae para intuir un poco por dónde llevar la sesión. Uso mucho la música, elijo de forma muy consciente las canciones que suenan mientras hacemos la sesión para que me ayuden a que todo fluya mejor. Al final la base de mi fotografía siempre es la misma; luz, emoción y música.

Julián Furones

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Jontxu Fernandez

Jontxu Fernández realizó sus primeros estudios de fotografía en el Instituto montando un laboratorio en blanco y negro con un profesor y unos pocos alumnos. Anteriormente observaba a su padre con su Yashica Mynister-D cómo realizaba las fotografías de los acontecimientos familiares, viajes, fiestas, etc., y después cómo proyectaba una a una toda una retahíla de diapositivas. Después, realizó sus estudios de Imagen y Sonido y la fotografía y el vídeo se convirtieron en sus obsesiones.

Por razones de oportunidad laboral empezó a trabajar más en el mundo audiovisual, inicialmente en ETB durante tres años realizando distintas tareas. Posteriormente, en 1998 se fue a Madrid a trabajar durante 4 años en Telecinco. En el 2002 volvió a Bilbao a trabajar en una productora como postproductor. En el 2005 junto a otros compañeros montaron una productora y a día de hoy trabaja como operador de cámara y postproductor en Arbela Films.

En cuanto la fotografía, tuvo un parón que le coincidió con la paternidad y mucha carga de trabajo. En el 2011 se compró su primera cámara digital y a partir de entonces es cuando ha crecido como fotógrafo. Para él la fotografía es una manera de expresarse, nunca de una manera preconcebida, sale a fotografiar lo que surja, sin definir ningún tipo de proyecto en especial.

La fotografía callejera es el tipo de fotografía con el que más cómodo se siente. Es estar abierto a lo que sucede a nuestro alrededor y documentarlo, capturar lo que nos interesa en un pequeño rectángulo sin que podamos preparar nada en absoluto, en definitiva adelantarse y prever, estar atento… componer… y fotografiar.

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Marcos Ferreiro

Album

Sol Eide

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Alberto García-Alix

  

 

Alberto García-Alix, nacido en 1957, es un fotógrafo español de León, España. Ganador del Premio Nacional de Fotografía en 1999, su trabajo ha llegado a diferentes países y ha sido elogiado por publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado importantes artistas nacionales e internacionales. Siempre se ha inspirado en las bicicletas, los tatuajes, la música y la noche. Él define sus retratos como una confrontación con su propio modelo. García-Alix es una de las figuras más destacadas del movimiento conocido como La Movida Madrileña, dejando imágenes bien conocidas y poderosas de la juventud de este movimiento cultural. Entre sus miembros están algunos de sus amigos, que posteriormente se han convertido en personalidades de renombre en diferentes campos, Pedro Almodóvar, Rossy de Palma, Emma Suárez, Camarón de la Isla y muchos otros. A menudo violentamente desvergonzado, sus obras son recurrentemente retratos crudos y desnudos. A menudo se consideran reacciones exageradas, pero su poder expresivo y eficacia gráfica es innegable. García-Alix ha dedicado toda su carrera a la fotografía en blanco y negro como documentación personal y social. Desde sus largas estancias en Francia y China en 2007 y 2008, ha estado experimentando con video documentando sus imágenes acompañadas de sus propios textos y voz.

Eugeni Forcano

 

Eugeni Forcano (Canet de Mar, 1926) entra en el mundo de la fotografía como un vendaval al incorporarse a la revista Destino, Ilamado por Vergés y Néstor Luján, en 1960. Autodidacta e intuitivo, mira con sagacidad, pasión e ironía cuanto le rodea. En 1964 Juan Perucho destacaba la profundidad humana de su obra. Y Josep Pla, siempre parco en elogios, dice de Forcano en 1966: “Es un gran fotógrafo, un gran artista. Es diferente e imprevisible. Singular”. José Corredor–Matheos afirma: “Nos hace ver que la realidad es sorprendente siempre”. Forcano tiene el don de la anticipación. Andrés Trapiello asegura que “lo más importante en sus fotografías es el latido de todo lo que aún vive”. Y Josep Maria Espinàs percibe que “a sus personajes se les oye hablar”.
La fotografía marcó su vida para siempre. Evolucionista y soñador, va cubriendo etapas: moda, ilustración, simbolismo… y una larga investigación sobre el color como nueva forma de expresión artística. Jorge Rueda escribió sobre ella: “Por fin has conseguido fotografiar los suspiros”. Javier Pérez Andújar lo define: “Es, sobre vanguardista, un fotógrafo vitalista que ha entendido el lenguaje de su tiempo”.
Todo parece confirmarlo. Josep Maria Huertas Claveria dice que “es uno de los grandes fotógrafos que ha dado Cataluña”.

Agustin Sagasti

Fotógrafo profesional de gran prestigio. Ha realizado numerosas exposiciones
fotográficas individuales y colectivas en varias localidades del País Vasco.
Agustín Sagasti atesora unos 50 premios de ámbito local, regional, nacional e internacional. Colabora habitualmente con varias publicaciones con imágenes de naturaleza y paisaje urbano.
Muchas de sus fotografías han sido utilizadas para la publicidad: calendarios, publicidad de empresas o instituciones, fotografías para agencia, imágenes para editoriales…
Agustín Sagasti cuenta con una gran variedad de trabajos fotográficos de arquitectura industrial o social así como de gastronomía y decoración.
Agustín Sagasti colabora para diferentes entidades e Instituciones del País Vasco

Hélène Desplechin

I want to show emotion and I want to have emotions. This is one of my main objectives with photography. Life is made of feelings, that’s what I choose to look for. It’s necessary to have the feeling one wants to transmit; sensitivity is the base. I’m looking for the little things that move me. It’s an infinite search for beauty, trying to see a kind of magic in details. Learning to see things that people don’t see and then share it with them. And the more life goes on, the more I learn to enjoy those details.
My inspiration is simple curiosity, constant observation, and astonishment by what surrounds me. A part of it is willingness to enjoy every part of it. Everyday life, is what inspires me. And that fundamental need, that I was born with, to create and to share with others my emotions.
Hélène Desplechin.

José María Díaz-Maroto

Fotógrafo, docente, comisario independiente y promotor de arte. En la actualidad trabaja para el Departamento de Artes Plásticas del Ayuntamiento de Alcobendas como Conservador y Comisario de la Colección Alcobendas de Fotografía. Es el vigente Director de la Escuela Internacional de fotografía Alcobendas PhotoEspaña PIC.A. Como profesor imparte clases en diferentes cursos de fotografía, forma parte del claustro de profesores del Máster PHotoEspaña en fotografía, además de realizar labores de asesoramiento a coleccionistas privados. Ha publicado más de ciento cincuenta artículos desde 1983 en numerosas revistas entre otras, Photo, Foto Profesional, Diorama – Foto, Revista FV, Europ-Art, El País, Diario El Mundo, ABC, Visual, La Fotografía…, también en libros y catálogos. Fue cofundador del Colectivo-28, perteneciendo a él hasta su disolución, y fundador y presidente de la Asociación “entrefotos” hasta el año 2005.

En sentido formal, las fotografías de Díaz-Maroto han evolucionado lentamente hasta sus últimas obras, centrando su interés en el paisaje contemporáneo, aumentando los formatos y demostrando abiertamente un dominio técnico que siempre es esencial en sus trabajos.

Viajero incansable, curioso y observador, imprime a sus trabajos una coherencia estilística, con dosis de naturalidad y de abierta visión.
Como fotógrafo se identifica con el reportaje cotidiano y con una tendencia creativa a la realización de “retratos ambientados”.

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Marcel Giró

Marcel Giró was born in Badalona (Spain) on October 20th, 1913, son of an industrialist in the textile industry. He was the second of six children.

He studied at the National School of Badalona and later in the Industrial School of Terrassa, while working at the family factory.

Since his youth he was fond of mountain trekking and photography.
At the beginning of the Spanish Civil War he enlisted as a volunteer to the Pirenaico Regiment, depending on the Generalitat of Catalonia. In 1937, disappointed by the constant fighting between the different factions fighting against Franco, he decided to exile.

He walked through the Pyrenees from Berga to France where he spent nearly two years doing all kinds of jobs. Finally in 1940 he was able to travel to Colombia with two Catalan companions, where they set up a small textile business.

He married Palmira Puig, and they moved to Brazil, where they settled.
In Brazil Giró resumed his hobby and ended devoted to professional photograpy. In 1953 he opened his own studio in Sao Paulo, Estúdio Giró.

Marcel Giró became one of the leading photographers of the country, an active member of what became known as Escola Paulista. This movement, pioneer of modern photography in Brazil was born around Foto Cine Club Bandeirante, in the 50s, with photographers like Jose Yalenti, Thomaz Farkas, Benedito Junqueira Duarte, Gertrudes Altschul, Eduardo Salvatore, Chico Albuquerque, Geraldo de Barros, Rubens Teixeira Scavone, Ademar Manarini, Willian Brigata, Emil Issa, German Lorca, Moacir Moreira, Alfio Trovato and Gaspar Gasparian among others.

He exhibited his works all over Brazil and around the world. One of his photos, Luz e força, was selected for the exhibition Photography in the Fine Arts (New York, 1968) and is part of the collection of the Metropolitan Museum in New York. Currently there are works of Giró at the Art Museum of Sao Paulo (MASP), the MoMA in New York and in numerous private collections around the world.
Giró was also one of the pioneers of advertising photography in Brazil. In his studio worked young assistants that later become world-renowned as great photographers like JR Duran and Marcio Scavone.

After the death of his wife in 1978, he left professional photography and artistic photography. He sold the studio and returned to Catalonia.

During the 80’s and 90’s, he traveled with his partner Paquita Raigal and began to paint with a very close criteria to his Photography works of the 50s.

He died in Mirasol (Barcelona) on August 24th, 2011, at age 98.

Patricia Allende

A partir del año 1990 me dedico profesionalmente a la fotografía, impartiendo cursos, conferencias y masters en diferentes escuelas de fotografía y universidades. Comisariando y coordinando exposiciones tanto en el ámbito nacional como internacional. Dedicándome también a mi propia trayectoria artística. Teniendo obras en colecciones públicas y privadas.

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Actus, Miguel Oriola

Cursa estudios de arte y música. En los sesenta se traslada a Madrid para estudiar arte dramático y ejerce la fotografía freelance. Desde 1977 comparte su dedicación con la docencia. Desde su primera exposición en 1971 ha realizado innumerables muestras en galerías nacionales e internacionales. Su obra está presente en colecciones publicas y privadas. En 1980 funda y dirige la revista POPtografia. Desde sus principios ha compaginado su obra personal con la editorial de moda, ilustración y campañas de publicidad. Ha colaborado en publicaciones como Vogue, Elle, Cosmopólitan, Tendencias, El Pais, Vanidad, etc. Es así mismo autor de cursos especializados y seminarios, y Director del Máster Internacional de Moda en EFTI (Escuela de Fotografía y Técnicas de la Imagen). En 1997 estancia de varios meses en NY. Con ocasión de PHE 2002 se organiza una retrospectiva que abarca obra de los últimos treinta años. En la actualidad vive y trabaja en Madrid dedicado exclusivamente al desarrollo de su obra personal, incluyendo el video, literatura y la docencia.

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Miguel Cabezas

 

First of all, thank you very much for visiting the gallery, and welcome to the world as Miguel Cabezas sees it through his viewfinder.
Miguel is currently a member of AFI (Irunesa Photographic Association), CEF (Spanish Confederation of Photography), and FIAP (International Federation of Photographic Art).
“I like to photograph especially the coastal landscape, but I am also really interested in trying to photograph everything around me, as I am also passionate about street and urban photography, architecture, and creative etc.…”
Miguel’s goal is to make photographs that portray the ordinary in an unusual and unique way. To accomplish this, he employs a variety of techniques – both in and out of camera (long exposure, filters and software).

 

Ana F. Martín

Ever since I was a little girl, photography has been part of my life. I remember the first type of cameras I used with nostalgia, those point-and-shoot with a film roll I took myself to the photography shop to be developed and checked what the photographs looked like. Nowadays, all of that has been lost with digital technology but I still look back to those childhood days where I discovered a true passion.
As I grew up, my interest on photography kept growing with me, however I never thought of it as a professional career, maybe because of the pressure of parents and society, so I ended up studying a Bachelor Degree in Tourism Management at the University of Granada in Spain, so photography remained a hobby I liked to practice at any chance I had. I decided to study that particular degree because I have always loved to travel to new places and discovered other cultures by the hand of local people. I think the world is too big and interesting to only stay in the same place for my whole life. Keeping that idea in mind, I have lived in Italy and London for a long period of time while travelling around Europe.
My period living in London opened my mind to a quite new level I never experienced before. The spare time I had from work I used it to develop my senses by going to museums, galleries and every kind of artistic performance which could help me take the step to change my passion about photography into a professional career.
The type of photography I discover to like the most and, most importantly, that I think adjusts better to my own style and personality is the one showing the daily life and common things happening around us all the time without noticing in an artistic point of view. I believe we all have a particular way of seeing the world and I truly think is the duty of a photographer to “freeze” that moment, give it soul and meaning, show it and try to open the eyes of those who are too busy to look around, especially these days we are living now.

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Leonardo Cantero

Nació en Bilbao en 1907 en el seno de una familia de clase acomodada. Realizó estudios de arquitectura en Madrid, aunque pronto estuvo interesado por la fotografía.

En 1950 entra como miembro en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid participando activamente. Cuando en 1956 la Agrupación fotográfica almeriense (AFAL) crea una revista pionera en España en ese momento participa en ella de un modo activo. En 1957 es miembro fundador del grupo La Palangana junto con los fotógrafos Gabriel Cualladó, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín, Paco Gómez y Ramón Masats lo que facilitó que se formase una corriente innovadora en el seno de la RSF llamada Escuela de Madrid.1​ Este movimiento supuso un cambio de rumbo en la fotografía madrileña que estaba muy penetrada por el pictorialismo y la fotografía de salón.2​

El trabajo que realiza entre 1940 y 1960 que es principalmente un reportaje humanista lo basa en gran medida en las fotos tomadas en su finca familiar llamada La Dehesa de Hoyos en Sotillo de la Adrada (Ávila). Participa en numerosos concursos fotográficos obteniendo diversos premios: Luis Navarro (1960), Premio del Ministerio de Agricultura (1964 y 1966), Premio de Sociedades en el Sonimag (1965), etc. También participa en numerosas exposiciones colectivas como la Exposición Internacional Zoológica de Amberes (1952), el Salón Internacional de Tarrasa (1963), etc. También realizó trabajos documentales sobre las abejas y los mántidos, así en 1961 hizo una serie de diapositivas en color sobre el mimetismo de los insectos que presentó en la III Bienal Internacional de París.

Adriano Villegas

Como preludio, pese a que yo lo considero irrelevante, diré que estudié Publicidad y que, posteriormente, decidí abandonar ese mundo de un modo absoluto. Ahora tan solo trabajo en lugares que me permitan dedicar mi tiempo mental a lo que a mí me gusta. Me siento más cómodo descargando cajas o cobrando manteles que diseñando logos o charlando en una galería. Y adoro viajar, hasta el punto de que estuve viviendo varios meses en Camboya

Aprendí fotografía, fotomanipulación y dirección de arte de modo autodidacta, basándome en el concepto de “me gustaría plasmar esto, ¿cómo consigo hacerlo?”. Ensayo y error. Horas y horas. Obsesionado con el tenebrismo barroco – Ribera, Caravaggio, Rembrant…, así como con toda una galería de temas fetiche que van desde la mitología de Silent Hill hasta la Cábala judia, plasmo con mis fotos mi cosmogonía personal a base de personajes que, tanto en grupos cohesionados como a en forma de retazos sueltos, cumplen determinados papeles dentro mi ciudad mental personal. Todo es una gran obra de teatro.

Si bien no existe una coherencia geográfica y temporal concreta (no existe nada, más allá de un mismo estilo artístico, que los unifique), he ido profundizando en la idea de las series fotográficas y la reinterpretación. Cada nuevo proyecto, cada nueva serie, supone una implicación con un tema determinado; bien sean los yokai japoneses, el chamanismo prehistórico o las nueve musas griegas, me dedico a bucear entre libros, artículos y piezas artísticas relacionadas con el tema fetiche que me obsesiona en un determinado momento hasta hacerlo parte de mi y poder, de esa forma, reinterpretarlo bajo mi visión.

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