Francisco Mata Rosas

Es uno de los exponentes más reconocidos de la fotografía contemporánea. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco 1979-1983. Y la Maestría en Artes Visuales en la UNAM. Se desempeñó como fotoperiodista en el diario La Jornada de México, 1986-1992. Su trabajo fotográfico se ha publicado en varios de los principales periódicos y revistas de Estados Unidos, España, Canadá, Italia, Francia, Inglaterra y México. Sus fotografías han sido expuestas en: México, Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Escocia, Japón, Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba y Costa Rica, por mencionar sólo algunos espacios.

Premios: Premio de Adquisición en la Bienal de Fotografía Mexicana, 1988. Premio de Honor en el Concurso del Bicentenario de la Revolución Francesa, México-Francia, 1989. Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, México, 1989. Third Mother Jones Fund for Documentary Photography USA,1993. Premio de Fomento y Coinversión del Fondo Naciónal para la Cultura y las Artes, 1994 y 1999. Residencia Artística en el Museo de Bellas Artes de Orleáns, Francia, en el marco del 5º Recontres Photographiques d´Orleáns, Une Saison Mexicaine. Octubre-Noviembre, 2004. Honor of Distinction in Photojournalism, Black an White Spider Awards, 2006 Pertenece al Sistema Nacional de Creadores de México a partir del año 2000.

Publicaciones: América Profunda, 1992. Sábado de Gloria, 1994. Litorales, 2000. México Tenochtitlan, 2005. Tepito ¡Bravo el Barrio!, 2006 Arca de Noé, 2009 Un Viaje. El metro de la ciudad de México, 2011

 

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Mara Sánchez Renero

Mara Sánchez Rener studied photography in Barcelona, Spain, where she lived for 10 years. She was part of the collective boom of 2008, in Spain, where she was co-founder of the Malocchio and PHACTO collective.

In her work, she is interested in finding places where she can create a scenario to explore the instability of the human condition. In her images we can witness the dissolution of constructed identity, in isolating men and women from their everyday contexts and instead portraying them within the space of their imaginary fabrication, the space of their mythical existence and thus confront what’s uncertain about human nature.

Her work has been shown in different places in Europe, USA, Asia, the Caribbean, Latin America and Africa, including international.

Mauricio Palos

Mauricio Palos , documentalist and cultural promoter, works mainly in North and South America.

His work explores a variety of topics related to human rights, historical memory related to political crises and land conflicts.
Normally he is producing projects of personal initiative that are published as zines, newspapers and photographic books, he is also constantly experimenting with his audiovisual production.

He is currently a fellow of the National System of Creators in Mexico from FONCA and his work has been exhibited at festivals around the world. Palos is based in the north of Mexico, in the city of San Luis Potosí.

Manuel Álvarez Bravo


Manuel Álvarez Bravo fue el primer fotógrafo artístico de México y es la figura más importante de la fotografía latinoamericana del siglo XX. Nació y se crió en la Ciudad de México. Mientras tomaba clases de arte en la Academia de San Carlos, se covirtio en fotografo autodidacta. Su carrera abarcó desde finales de la década de 1920 hasta la década de 1990 con su pico artístico entre los años 1920 y 1950. Su sello distintivo como fotógrafo era capturar imágenes de lo ordinario pero en forma irónica o surrealista. Sus primeros trabajos se basaron en influencias europeas, pero pronto fue influenciado por el movimiento muralista mexicano y el impulso cultural y político general en el momento de redefinir la identidad mexicana. Rechazó lo pintoresco, empleando elementos para evitar estereotipos. A lo largo de su carrera tuvo numerosas exposiciones de su obra, trabajó en el cine mexicano y fundó la Editorial Editorial de la Plástica Mexicana. Ganó numerosos premios por su trabajo, sobre todo después de 1970.
La carrera fotográfica de Álvarez Bravo abarcó desde finales de los años veinte hasta los noventa. Se formó en las décadas posteriores a la Revolución Mexicana, cuando hubo una producción creativa significativa en el país, en gran parte patrocinada por el gobierno que quería promover una nueva identidad mexicana basada tanto en la modernidad como en el pasado indígena del país.
Aunque ya estaba trabajando a fines de los años 20, se convirtio en un fotógrafo freelance a tiempo completo en 1930, renunciando a su trabajo del gobierno. Ese mismo año, Tina Modotti fue deportada de México por actividades políticas y dejó a Álvarez Bravo su cámara y su trabajo en la revista mexicana Folkways. Para esta publicación, Álvarez Bravo comenzó a fotografiar la obra de los muralistas mexicanos y otros pintores. Durante el resto de la década de 1930, su carrera se estabilizo. Se reunió con el fotógrafo Paul Strand en 1933 en el lugar de filmacion de Redes, y trabajó con él brevemente. En 1938, conoció al artista surrealista francés André Breton, que promovió el trabajo de Alvaréz Bravo en Francia, exponiéndolo allí. Más tarde, Breton pidió una fotografía para la portada del catálogo para una exposición en México. Alvarez Bravo creó “La buena fama durmiendo”, que los censores mexicanos rechazaron por desnudez. La fotografía se reproduciría muchas veces después de eso sin embargo.
Alvarez Bravo capacitó a la mayoría de la próxima generación de fotógrafos como Nacho López, Héctor García y Graciela Iturbide. De 1938 a 1939, enseñó fotografía en la Escuela Central de Artes Plásticas, actualmente la Escuela Nacional de Artes (UNAM). En la segunda mitad de los años sesenta impartió clases en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. De 1943 a 1959, trabajó en la industria cinematográfica mexicana tomando fotografias, lo que le llevó a experimentar algo con el cine. En 1957 trabajó haciendo fotos para la película Nazarín de Luis Buñuel.
Su carrera incluyó más de 150 exposiciones individuales de su trabajo junto con la participación en más de 200 exposiciones colectivas. En 1928, una fotografía suya es elegida para ser exhibida en el Primer Salón Mexicano de la Fotografía. Su primera exposición individual fue en la Galería Posada de la Ciudad de México en 1932. En 1935 expuso con Henri Cartier-Bresson en el Palacio de Bellas Artes, con textos de Langston Hughes y Luis Cardoza y Aragón. En 1940 su obra forma parte de una exposición surrealista de André Breton en la galería de Inés Amor. Edward Steichen seleccionó el trabajo de Bravo para la exposición 1955 en el MoMA que fue exhibida alrededor del mundo, vista por más gente que cualquier otra hasta la fecha. En 1968, el Palacio de Bellas Artes realizó una retrospectiva de cuatro décadas de trabajo de Álvarez Bravo. Expuso en el Museo de Arte de Pasadena y el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1971, la Galería Corcoran de Arte en Washington en 1978, el Museo de Israel en Jerusalén en 1983 y la Biblioteca Nacional en Madrid en 1985. De 1994 a 1995, Evidencias de lo invisible, cien fotografías, se presentó en el Museo de Bellas Artes de Nueva Delhi, en el Palacio Imperial de Pekín y en el Centro Cultural de Belém en Lisboa. En 2001, el J. Paul Getty Museum de Los Angeles organizó una retrospectiva de su obra.

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Citlali Fabian


Citlali Fabián is a Mexican visual artist and storyteller who uses photography to explore ways of addressing identity and its connections with territory, migration, and community bonds. Her work has been shown in solo and collective exhibitions around the world, and is part of Mexico’s National Institute of Fine Arts Toledo Collection, the Patricia Conde Collection, and the Wittliff Collections at Texas State University. A member of the Women Photograph and Natives Photograph collectives, Fabián was selected to participate in the seventh annual the New York Times Portfolio Review.
Her Mestiza series was selected as one of the New York Times Lens blog’s “13 Stories That Captured Photography in 2018.”
Fabián holds a BA in Photography from the Universidad Veracruzana, an MFA from the Universidad Nacional Autónoma de Mexico and a Photographic Preservation and Collection Management Certificate from the George Eastman Museum, supported by the C15 fellowship by Oaxaca State Culture Department.
Fabián is a National Geographic explorer, with her project; I’m from Yalalag, a photo essay to explore the development of our Zapotec identity.

Pedro Valtierra


Pedro Valtierra nació en Fresnillo, Zacatecas, el 29 de junio de 1955. Se inició en 1973 como auxiliar de laboratorio de fotografía y a partir de 1975 se desempeñó como fotógrafo en la Presidencia de la República. En 1977 ingresó al periódico El Sol de México y un año después se incorporó al diario unomásuno que dirigía Manuel Becerra Acosta.
En 1984 creó la Agencia de fotografía Imagenlatina; el mismo año fue fundador y jefe de Fotografía del diario mexicano La Jornada en un primer periodo de 1984 a 1986 y por segunda ocasión de 1995 al 2000.
En 1986 fundó la Agencia de fotografía Cuartoscuro, de la que es director hasta la fecha y desde 1993 edita la revista del mismo nombre, de la que también es director.
Fue presidente de la Sociedad de Autores de Obras Fotográficas de 1988 a 1991. De 1990 a 1992 dirigió la revista Mira junto con el periodista Miguel Ángel Granados Chapa.
En 2006 fundó la Fototeca de Zacatecas Pedro Valtierra, la cual dirige hasta la fecha. El fotógrafo ha destacado por su gran labor fotoperiodística dando testimonio de los sucesos noticiosos internacionales más importantes en los últimos 30 años, entre los que se hallan: la Revolución Sandinista, (1979), el movimiento revolucionario de las Fuerzas Armadas de la Resistencia Nacional (FARN) en la República de El Salvador (1980), la lucha de la Unión Revolucionaria Nacional Guatemalteca en 1982 y ese mismo año el levantamiento del Frente Polisario de la República Árabe Saharauí Democrática en contra del gobierno de Marruecos en 1982, la caída en Haití del dictador Jean Claude Duvalier en 1986, la visita del Papa Juan Pablo II a Cuba en 1988 y fotorreportajes en Venezuela, Colombia, Panamá, Chipre, entre otros países.
En el ámbito nacional, Pedro Valtierra realizó una cobertura fotográfica sobre diversos acontecimientos de gran importancia histórica para nuestro país tales como la nacionalización de la banca en 1982, los terremotos de 1985, los conflictos poselectorales de 1988, el levantamiento armado del Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) en 1994, el asesinato de Luis Donaldo Colosio, además de reportajes sobre diversos aspectos socioculturales de México: la comunidad Oaxaqueña del El Trapiche, Xococapa en la Sierra de Veracruz y Golochán en Chiapas, la migración, los indígenas de la Sierra Tarahumara, entre muchos otros. Ha retratado a destacados personajes de la historia reciente de México y otras partes del mundo, ex presidentes, políticos, líderes religiosos, empresarios, escritores, artistas: Jorge Luis Borges, Octavio Paz, Jaime Sabines, José Saramago, Gabriel García Márquez, Elena Poniatowska, Carlos Montemayor, Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Gabriel Figueroa, Carlos Monsiváis, María Felix, se cuentan entre éstos.
Desde 1984 imparte talleres y conferencias de fotoperiodismo mexicano contemporáneo en medios de comunicación y universidades.
En el medio editorial Pedro Valtierra ha participado en diversas publicaciones, entre las que se encuentran, en 1980, La Batalla por Nicaragua publicado por el periódico unomásuno en 1980 por y ese mismo año también participa en el libro Nicaragua, un país propio editado por la Universidad Nacional Autónoma de México.

In the bedroom, Javiera Estrada


IN THE BEDROOM, is an intimate perspective of the space between the subconscious dreamworld and fantasy. Portrayed through the feminine archetype, this personal journey is a kaleidoscopic explosion of color and imagination interwoven and juxtaposed in the stillness of the environment.
The creative process of IN THE BEDROOM is a unique multi-layered technique producing an original one of a kind piece. All photographs are shot on film with the use of a medium format camera. The image is then printed and displayed in view for the collage to take form. The “dream” is revealed through the patience of time and the collection of imagery. Vintage and modern illustrations are layered between acrylic sheets, arranged and re-arranged until the finality of the piece is revealed. This subliminal expedition can take anywhere from a few days up to many months. Occasionally due to the anomaly of dreams, the absence of vision leaves a frame void of all imagination. The artistic intention derives not from cerebral contemplation but from the undercurrent of a sentimental world.

Rogelio Cuellar


Rogelio Cuéllar nació en la Ciudad de México en 1950. Se inició como fotógrafo en 1967. Los últimos 30 años su interés ha abarcado básicamente el retrato de creadores contemporáneos de México y algunos países en las disciplinas de literatura, artes plásticas, teatro y música. Actualmente ha integrado un acervo de negativos correspondientes a más de mil personajes nacidos entre 1900 y 1980.
Trabaja la fotografía de autor en la que destaca la atención en el paisaje humano, ya sea en atmósferas urbanas o rurales en los diferentes estados de la República Mexicana. Para esta temática se nutre de los constantes viajes que realiza a los estados.
Otro de sus temas es el desnudo fotográfico, tanto masculino como femenino, trabajo que desarrolla en estudio y en exteriores con luz natural. De esta vertiente de su quehacer se han expuesto cerca de 300 fotografías en diferentes exposiciones individuales y colectivas en México y en diversas ciudades del mundo.
Realiza sobre todo la fotografía en blanco y negro controlando todas las fases del proceso en forma personal. Estos ámbitos de su interés los desarrolla en forma cotidiana, haciendo tomas fotográficas, trabajo de revelado, clasificación, edición, amplificado e impresión en técnicas de laboratorio en cuarto oscuro. Esto lo caracteriza como un fotógrafo tradicional, sello que vuelve singular su ejercicio profesional.
A partir de las becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte ha podido clasificar aproximadamente el 60 por ciento del material que ha realizado durante 30 años. Este porcentaje equivale aproximadamente a 20 mil negativos.
Respecto al retrato de creadores, en los últimos 10 años ha participado en diversos homenajes a personajes como Rufino Tamayo, Efraín Huerta, Alberto Gironella, Elena Garro, Pedro Coronel, Guillermo Zafe, Fernando Benítez, Fernando Gamboa, Juan Rulfo, Rosario Castellanos, Lola Álvarez Bravo, Jaime García Terrés, Severo Sarduy, Juan José Arreola, Julio Cortázar, Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, René Portocarrero, Fernando García Ponce, Rodolfo Morales, Alice Rahon, Rafael Alberti, Luis Cardoza y Aragón, Juan Soriano, Alfredo Zalce, Antoni Tápies, Emilio Carballido, Juan García Ponce, Pita Amor y Pablo O´Higgins, entre otros.
Asimismo, ha participado en homenajes a creadores contemporáneos vivos como Sergio Pitol, Vicente Rojo, Gilberto Aceves Navarro, Sebastián, José Luis Cuevas y Francisco Toledo.
Rogelio Cuéllar ha trabajado en varias ocasiones con la gran mayoría de los creadores, haciendo el seguimiento histórico de su proceso creador. De hecho, su trabajo es un referente obligado para reconstruir una época de la vida cultural de México, a través de los rostros de sus más destacados creadores.

Rubén Pax

Rubén Cárdenas Paz. Fotógrafo mexicano que firma sus trabajos como Rubén Pax. Nació en León, Guanajuato, el 11 de agosto de 1943. Estudió dibujo publicitario en 1964 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México hasta 1970; en ese mismo año trabajo con el diseñador Lance Wyman en la elaboración de la revista de la Copa Mundial de Futbol México 70. En 1973 inició como docente del taller de fotografía en la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes, donde ejerció durante 35 años, además de dar clases en el Taller de Fotografía Libre. Laboratorista impresor del escritor y fotógrafo Juan Rulfo; asimismo de los fotógrafos Héctor García y Armando Salas Portugal.
Ha sido laboratorista, archivista y reportero gráfico del periódico La Jornada de 1984 a 1986, miembro fundador de la Agencia Periodística Imagen Latina en México, 1986 -1988. En 1993 fundó la Agencia de Fotografía de Cultura Prisma.
En el Festival Internacional Cervantino se desempeñó como coordinador de fotografía durante 1994 y 1995; ha cubierto este encuentro artístico y cultural hasta la fecha.
Desde 1971 ha presentado participado en más de 40 exposiciones fotográficas colectivas e individuales en México y Estados Unidos. Ha publicado sus imágenes en los periódicos Excélsior, El Día, unomásuno, El Universal, El Heraldo y La Jornada; así como en las revistas: Plural, Foto-Zoom, Proceso, Vuelta y México Desconocido. Su trabajo documenta fiestas populares religiosas, danzas, ritos y tradiciones indígenas, de diversos estados de la República. También ha documentado movimientos sociales como el magisterial, estudiantil, obrero y campesino y un registro continuo de la vida cotidiana en la capital de la República Mexicana desde 1970.
En los inicios de los ochenta comenzó a registrar las actividades de literatura, en festivales de poesía y presentaciones de libros de las editoriales, así como en las ferias de libros, como la del Palacio de Minería de la UNAM, la del Instituto Politécnico Nacional en la Ciudad de México, y la FIL de Guadalajara desde 1996.
En 1994 fundó el Taller de Fotografía Libre que da inicio a nuevas generaciones de fotógrafos. Actualmente continúa en la investigación de procesos antiguos fotográficos como: papel salado, colodión húmedo, álbumina.

Sara Zanella

 


I started photographing at high school with a Contax T3 with black and white film because I could develop them in my mother‘s bathroom and work independently. When I discovered photography I could find a way to see my daily life differently, I learnt to have a step inside my surroundings, into the nature of my relationships and environment and also a step outside of the everyday life, that let me read beyond the appearances and find another sphere of conception of time before more melancholic then as a endless river of events. From those years I have been photographing diaries, my home, my school, my classmates and my family, at the time I got a really deep encounter with the diaries of Noboyoshi Araki, Nan Goldin and Daido Moryama. In them I found those instincts that were driving me in the photographic process , for example, the closeness to the subject, the condition of solitude, the flowing of life and changes, the power of poetry and love and the movements of curiosity and restlessness that still nowadays are in the core of my work. In these years I acquired and experienced the power of photography. Images are like a window where we can access to a universal human layer, investigating the core of who we are.

I use my curiosity to travel and to explore places I’ve never been, photographing. The center of my work is the research as a human being in the world, the process knowing the world we are living in, the position of men in nature, a journey in the space and in the time in history of humanity and earth. My goal is building a record of this in a poetic and direct way.

What drive me is instinct and curiosity.

SALT + SEA, Javiera Estrada

In Salt + Sea, the artist intentionally places women in their most vulnerable form—naked—back into a natural environment in order to display their strength against the elements. The interaction between the two forces narrows the gap between society’s hackneyed constructs of women’s place in society and the unfailing honesty of the nude form– where her spirit can run free. The sand and rocks are representative of the harsh political environment, while the water demonstrates the more “fluid” nature of women.
In addition, the division between the latter symbolizes our current social and monetary disparity between women and men, and specifically, African American women. African American women are rarely seen on sand or sea due to the old paradigms of fear instilled by their ancestors. This fear not only disempowers, but suppresses a huge demographic of women in our country.
The ocean’s multi-faceted cycle has often been likened to the female temperament, a great force. Therefore it’s no surprise that salt, a vital element of the sea, has been referred to as feminine in numerous cultural mythologies as well as embodying healing properties. Therefore, it is imperative that we view women as the “salt” of our communities, the essential element needed in healing this antiquated imbalance.

Manuel Carrillo

Manuel Carrillo nació en la Ciudad de México en 1906. A la edad de 16 años, en 1922, Carrillo fue de México a Nueva York donde realizó varios trabajos antes de convertirse en campeón de vals y tango con Arthur Murray. Durante este período, en Nueva York, se puso a trabajar para la firma de Wall Street Neuss Hesslein, pero en 1930 regresó a su pais. Allí comenzó a trabajar para uno de los pioneros de la industria turística mexicana Albert L. Bravo. Carrillo luego abandonó esa posición para convertirse en el agente general de la oficina del Ferrocarril Central de Illinois en la ciudad de México, donde permaneció durante treinta y seis años, hasta su retiro. A la edad de 49 años, se unió al Club Fotográfico de México y la Sociedad Fotográfica de América. Su primera exposición internacional, titulada, Mi Pueblo, se llevó a cabo en 1960 en la Biblioteca Pública de Chicago y representa la vida cotidiana en el México rural. Desde 1975, el trabajo de Carrillo se ha visto en 209 exposiciones individuales y 27 exposiciones grupales en México, los Estados Unidos, y en todo el mundo. En 1980, la Sociedad Fotográfica de América nombro a Carrillo Ciudadano de Honor de El Paso, Texas, donde su archivo fotográfico esta en la Biblioteca Pública de El Paso. Su trabajo ha sido publicado en una variedad de antologías fotográficas y revistas. Carrillo murió en la Ciudad de México en 1989 a la edad de 83 años.

Floria González

Floria Gónzález was born in Monterrey on July 20, 1980n NL, moving to Acuña Coahuila in 1983, moved to Mexico City an age 16 where he lives and works. She studied photography and film in Mexico City and San Antonio, TX. In 2003 she starts working forming two ways; one inside photography and commercial video and the other in art.

Manuel Carrillo

 

Manuel Carrillo nació en la Ciudad de México en 1906. A la edad de 16 años, en 1922, Carrillo fue de México a Nueva York donde realizó varios trabajos antes de convertirse en campeon de vals y tango con Arthur Murray. Durante este período, en Nueva York, se puso a trabajar para la firma de Wall Street Neuss Hesslein, pero en 1930 regresó a su pais. Allí comenzó a trabajar para uno de los pioneros de la industria turística mexicana Albert L. Bravo. Carrillo luego abandonó esa posición para convertirse en el agente general de la oficina del Ferrocarril Central de Illinois en la ciudad de México, donde permaneció durante treinta y seis años, hasta su retiro. A la edad de 49 años, se unió al Club Fotográfico de México y la Sociedad Fotográfica de América. Su primera exposición internacional, titulada, Mi Pueblo, se llevó a cabo en 1960 en la Biblioteca Pública de Chicago y representa la vida cotidiana en el México rural. Desde 1975, el trabajo de Carrillo se ha visto en 209 exposiciones individuales y 27 exposiciones grupales en México, los Estados Unidos, y en todo el mundo. En 1980, la Sociedad Fotográfica de América nombro a Carrillo Ciudadano de Honor de El Paso, Texas, donde su archivo fotográfico esta en la Biblioteca Pública de El Paso. Su trabajo ha sido publicado en una variedad de antologías fotográficas y revistas. Carrillo murió en la Ciudad de México en 1989 a la edad de 83 años

Mariana Yampolsky

 

 

 

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Para Mariana Yampolsky (Chicago, 6 de septiembre de 1925 – † Ciudad de México, 3 de mayo de 2002), la fotografía fue un modo de conocer, de adentrarse en la memoria y las vivencias cotidianas de los seres humanos, acaso con el propósito de identificar, en los abundantes signos que encierran sus imágenes, las identidades de individuos y colectividades, la manera única en que estos se relacionan con el mundo. Desde su llegada a México, en 1945, fue una dedicada viajera de los caminos mexicanos. Doce años después de su muerte, somos testigos de la enorme curiosidad de la artista por las costumbres de la gente que encontraba en su camino. Pero Yampolsky buscó siempre trascender la descripción antropológica.

Después de una trayectoria larga y laboriosa, tuvo la satisfacción enorme de haber dedicado su vida a lo que ella más amaba: México y su gente. Al ver sus fotografías, uno se pregunta qué es México, por qué unos sí y otros no, por qué el hambre, el desasimiento; Mariana da una única respuesta: la de la dignidad. Su rigor es absoluto, sin concesiones. Porque fue maestra, sabe enseñar y si antes enseñó con palabras, con sus imágenes enseña visualmente. En las fotografías de Mariana Yampolsky no hay urgencias, ni prisas, ni ‘instante decisivo’. Para ella, tomar una foto era un viaje al interior que debía hacerse con mucho tiento. Sus imágenes nunca hieren, jamás tomó a un ser humano en su peor momento. Ni a un perro siquiera.

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Pedro Meyer

Creo que es muy importante que las personas se den cuenta de que las imágenes no son una representación de la realidad. Cuanto antes este mito sea destruido y enterrado, mejor para la sociedad a su alrededor. 

Todavía no “hacemos” fotografía, como si hiciéramos una pintura o una olla de cerámica, en el que el contenido es una total invención. La toma en este caso se asemeja más a la forma en que componemos las imágenes en nuestro cerebro, al igual que las reconstrucciones de la memoria. Creamos capas de diversos orígenes y las colocamos en el contexto de qué y cómo percibimos la realidad pero, en esencia, todas ellas son fotográficas en su origen. La imagen es una representación de lo que sería una historia, como dicha por ancestros que recrean mitos de hechos que habrían tenido lugar en algún momento en el tiempo.

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Mariana García

My work is a combination of disciplines, such as portrait, editorial and reportage, among others. Constantly trying to capture fascinating moments that could be translate into beautiful, elegant pieces of art,  tell stories and make them last forever.

Founder and Creative Director of P MAGAZINE (An aesthetic object-book designed as a collector´s edition, published annually) Created by design studio Face and Myself.

Also co-running the studio Porcelaine Project ( A Studio conformed by photographers that offers professional services for wedding photography )

For general inquiries, new projects & prints
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Pierre Fudarylí

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Camila Jurado

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